Картины про сон известных художников
Художник, что рисует сон
«Кто видит много сладких снов, тот будет счастлив и здоров» (When sleep is sound, health and happiness around).
Кое-кто из редакции Бигпикчи может себе позволить иногда и вздремнуть в течение рабочего дня, но не сегодня, нет! Сегодня мы собрали для вас произведения известных художников на тему сна. Герои этих полотен любят повеселиться, особенно поспать.
«Спящий пастушок». Алексей Венецианов, 1823–1826. 
«Спящая красавица». Джон Кольер, 1929. 
«Полдень: отдых после работы (по мотивам Милле)». Винсент Ван Гог, 1889–1890. 
«Спящие дети». Василий Перов, 1870. 
«Ночной кошмар». Генри Фюссли, 1810. 
«Отшельник и спящая Анжелика». Питер Пауль Рубенс, 1626–1628. 
«Сон молодой девушки перед рассветом». Карл Брюллов, 1830–1833. 
«Спящая девушка». Доменико Фетти, 1620. 
«Спящая Венера». Джорджоне, 1510. 
«Спящая царевна». Виктор Васнецов, 1926.
А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?
Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!
В царстве Морфея
Сон в изобразительном искусстве
Первой предложу работу Уильяма Рейнолдса (Sir William Ernest Reynolds-Stephens, 1862-1943) «В объятьях Морфея» («In the Arms of Morpheus»). На этой картине художник изобразил бога сновидений Морфея.
У современной британской художницы Жозефины Уолл (Josephine Wall) много интересных работ на тему сновидений. Несколько самых знаменитых картин:
Интересная работа молодого художника из Парижа Сирила Роландо (Cyril Rolando) «Blowing Bubbles» представляет сон как погружение в глубины. сознания.
О снах детства картина современного художника Воронина Олега Владимировича «Сны «капитана»
Удивительно передано спокойствие сна в картине российской художницы Татьяны Дерий «Лучший друг».
Конечно, перечень работ можно продолжать. В Интернете можно найти работы и перечисленных выше художников, и множества других. Но мне показались эти работы особо интересными. А вам?
Картины про сон известных художников
Описание картины «Сон»
Сон для Сальвадора Дали был священным источником бреда, оберегаемым и лелеемым. В теплое время года во время сиесты он устраивался спать в шезлонге, предвкушая поток вдохновляющих видений, и всегда держал поблизости карандаш и бумагу. Проснувшись, сразу же зарисовывал все увиденное во сне.
Сон для Сальвадора Дали был самым веским доводом в пользу любого скандального решения, образа, сюжета. Когда предводитель сюрреалистского объединения Андре Бретон торжественно изгонял Дали из рядов на официальном заседании, обвиняемый устроил целый спектакль. А в собственное оправдание заявил, что написал Ленина с уродливо растянутой ягодицей лишь потому, что тот ему так приснился. И если сегодня ночью увидит во сне, как занимается любовью с самим Бретоном, то обязательно прямо с утра напишет эту сцену, не пренебрегая мельчайшими деталями.
Огромная отяжелевшая голова, лишенная тела, здесь воплощает сам сон и его отношения с реальностью. Реальность – это одиннадцать костылей, на которых голова до тревожного опасно держится. Они кажутся слишком хрупкими, готовыми сломаться и уронить свою тяжесть, расплющить ее в бесформенную массу. Но в то же время их хитроумное расположение кажется безупречно рассчитанной конструкцией грамотного инженера. Или набором бесполезных подпорок для самоуспокоения.
Сон – это еще и монстр, готовый свалиться на человека и нависнуть удушающим объемом. Обрывки реальности истончаются и съеживаются до крошечного здания на горизонте, удаляющейся человеческой фигуры, крошечной собаки, которая тоже уже спит, опираясь мордой на костыль. Пространство вокруг лишается земных признаков и способно на что угодно: стать твердью (костыли-то отбрасывают четкие тени), стать водой (здание-то выглядит островом посреди водной глади), стать небом, над которым простирается еще одно небо.
А костыли – это вообще один из основных образов мифотворца Дали. В своей «Тайной жизни» он рассказывает целую историю (реальную или выдуманную – точно не известно) о том, как случайно найденный костыль, попавший в переплет его детских выходок, навсегда стал для него символом одновременно любви и смерти, власти и желания.
Что будет, если монстр-сон откроет глаза? Реальность обрушится – и он завладеет миром, смахнет в небытие хрупкие здания вместе с собакой и человеческой фигурой одним взмахом ресниц? Или растворится сам, сдуется, как воздушный шар, уступая место шезлонгу, с которого уже тянется рука разомлевшего от сиесты Сальвадора Дали к бумаге и карандашу?
В поисках вдохновения: по следам известных художников
Рассказываем, как Дали вдохновлялся необычным способом сна, Уильям Тернер ради творчества рисковал жизнью и здоровьем, а Иван Айвазовский просто очень много работал.
«Лунная ночь на Босфоре» (1894). Иван Айвазовский
Вдохновение — явление, без которого сложно представить настоящее творчество. Словарь Ожегова определяет его как «творческий подъем, прилив творческих сил». У каждого творца свои источники. По верному замечанию японского режиссера-аниматора Хаяо Миядзаки, «вдохновение можно найти даже в прогнозе погоды». Делимся секретами знаменитых художников и заранее предупреждаем, что как минимум один подвиг во имя искусства из перечисленных здесь лучше не повторять.
Уильям Блейк и видения
Британского художника и поэта Уильяма Блейка современники не понимали и считали безумцем. Лишь потомки сумели по достоинству оценить его наследие. Генри Крабб Робинсон, журналист и автор известных дневников и воспоминаний, писал, что в четырехлетнем возрасте Уильям узрел в окне голову Бога, а затем пророка Иезекииля в полях и дерево с ангелами. По утверждению Робинсона, Блейк говорил о своих видениях обычным безэмоциональным тоном, которым люди рассуждают о тривиальных вопросах. Художник полагал, что видения изначально есть у всех, но если способность к ним не развивать, то она исчезает. В конце 1780-х Уильям потерял брата Роберта, скончавшегося от туберкулеза. Когда тот умер, Блейк увидел, как его дух возносится к небесам и хлопает в ладоши от радости. Впоследствии художник говорил, что ежедневно и ежечасно общается с призраком Роберта.
В 1818 году Блейк познакомился с астрологом Джоном Варли — одним из немногих, кто не считал Уильяма сумасшедшим. Вместе они провели серию спиритических сеансов, в рамках которых вызывали духов различных исторических лиц и мифологических персонажей. Перед Блейком стояла задача запечатлеть образы, представшие перед ним. Результатом сотрудничества художника и астролога стала серия рисунков, получившая название «Головы призраков». Пожалуй, самая известная работа из этого цикла — «Призрак блохи». Блейк изобразил насекомое в виде ужасающего монстра с миской крови.
Есть мнение, что при создании «Призрака блохи» Блейк вдохновлялся не только видениями, но и иллюстрациями из «Микрографии» естествоиспытателя Роберта Гука
Жоан Миро и голод
Родившийся в Барселоне Жоан Миро в начале 1920-х перебрался в Париж. Несколькими годами ранее состоялась его первая персональная выставка в родном городе, которая не просто не принесла ему славы и денег, но и была высмеяна. По воспоминаниям Эрнеста Хемингуэя, во французской столице Миро приходилось нелегко. Молодому художнику катастрофически не хватало средств к существованию. Нормальный обед он мог позволить себе лишь раз в неделю. Все остальное время ему приходилось питаться только финиками. Впоследствии на вопросы журналистов об источниках вдохновения для ранних работ Жоан отвечал:
« Откуда я брал идеи своих рисунков? Ну, я приходил вечером в свою парижскую студию на Рю Бломе, ложился спать, иногда я не ужинал. У меня были видения, которые я зарисовывал в блокноте. Я видел образы на потолке».
Жоан Миро, испанский художник, скульптор и график .
Фактически голод выступал в качестве причины галлюцинаций.
На протяжении девяти месяцев, часть из которых художник провел на семейной ферме, а часть — в Париже, Миро писал картину «Ферма» (1921-22). Полотно купил Эрнест Хемингуэй за внушительную для него сумму в 5000 франков.
Уильям Тернер и разбушевавшаяся стихия
Английский художник-романтик Уильям Тернер всегда испытывал особый интерес к изображению разгулявшейся и крайне опасной стихии. В числе его полотен, посвященных буйству природы, — «Снежная буря. Пароход у входа в гавань» (1842). С этой работой связана интересная легенда, которая рассказана в частности в книге Михаила Бокемюля «Дж. М. У. Тернер. Мир света и цвета». О правдивости истории по сей день спорят исследователи и поклонники творчества художника. В полном названии картины указано, что ее автор был свидетелем бури в ту ночь, когда «Ариэль» отчалил из Хариджа. Если верить Тернеру, то он попросил матросов привязать его к мачте во время шторма. В таком положении Уильям провел четыре часа, как бы изнутри наблюдая за стихией. Подвиг художника кажется еще более удивительным, когда вспоминаешь, что на момент его совершения Тернеру было под 70.
Первые критики отнеслись к картине преимущественно отрицательно. Например, один из них назвал произведение Тернера «мыльной пеной и побелкой».
Сальвадор Дали и «секундная сиеста»
Великий испанский сюрреалист известен не только благодаря картинам, но и за счет эпатажного поведения. В свою жизнь Дали старался добавить как можно больше экстравагантных решений. Это относится и к его способу искать вдохновение, который он назвал «послеполуденный отдых с ключом» или «секундная сиеста». Метод прост как все гениальное. Дали садился в кресло, зажав между пальцами руки большой медный ключ. Рядом с собой на пол он ставил перевернутую металлическую миску. В таком положении художник пытался заснуть. Как только Дали достигал цели, ключ падал, раздавался звон, и следовало пробуждение.
Гала — главная муза Сальвадора Дали, неиссякаемый источник его вдохновения. «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» — одна из самых известных картин мастера среди тех, на которых запечатлена Елена Дьяконова.
Согласно легенде, подобным образом искал варианты решения сложных задач изобретатель Томас Эдисон. Только он вместо ключа держал в руке подшипник. В книге профессора инженерного дела в Оклендском университете Барбары Энн Оакли «Думай как математик. Как решать любые проблемы быстрее и эффективнее» объясняется, почему работает этот способ. Существуют два типа мышления — сфокусированное и рассеянное. У большинства переключение между ними происходит автоматически. Для этого достаточно лишь на некоторое время забыть о задаче, над которой ведется работа. Например, сходить прогуляться или заняться уборкой. Главное — отвлечь мозг, пока требующая решения проблема не уйдет из головы. Эдисон и Дали, расслабляясь, по сути переводили мысли в рассеянное состояние.
Пауль Клее и музыка
Немецкий и швейцарский художник Пауль Клее родился в творческой семье. Его мать была певицей, а отец музыкантом и преподавателем. Изначально Клее пошел по стопам родителей. В семилетнем возрасте он начал играть на скрипке. Среди его любимых композиторов значились Бах и Моцарт. У Клее были неплохие перспективы в качестве скрипача, но в итоге он решил отказаться от музыкальной карьеры. Впрочем, старое увлечение по-прежнему продолжало играть важную роль в его жизни и творчестве. Сам художник утверждал, что рисовал с музыкой в глазах.
Связь между двумя искусствами проявлялась в работах Клее на разных уровнях. Например, у него есть картина «В стиле Баха», написанная в 1919 году. Она обладает явным сходством с музыкальной партитурой. Линейность и ритмичность полотна напоминают о том, что Бах был мастером контрапункта.
«В стиле Баха» — переосмысление музыкальной партитуры в качестве композиции графических символов, таких как полумесяц, звезда, листва
В 1914 году Клее посетил Тунис. Это поездка оказала серьезное влияние на его творчество. В дневнике он сделал примечательную запись:
«Цвет овладел мной, мне незачем гоняться за ним. Это осенило меня в счастливую минуту: я и цвет едины. Я — художник».
Пауль Клее, немецкий и швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда .
Вдохновленный полученным в Тунисе откровением Клее создал собственную теорию цвета во время работы в Баухаузе с 1922 по 1931 год. В ее основу легла радуга из шести частей в форме цветового круга.
Совмещение своего подхода к цвету с музыкальным прошлым помогло Клее обрести неповторимый стиль. В некоторых работах художника присутствуют прямые обращения и к цветовой теории, и к музыке. В их числе — «Гармония в синем и оранжевом», датированная 1923 годом. В ней комплементарные цвета сочетаются так, как если бы они были музыкальными нотами. При этом нередко Клее демонстрировал гармоничный подход к цветовой теории и способность «свободно импровизировать на клавиатуре цветов», избегая конкретных ссылок.
Цветовая теория Клее возникла под влиянием труда Гете «К теории цвета», в котором оранжевый относится к положительным цветам, а синий — к отрицательным.
Анри Матисс и путешествия
В жизни основателя фовизма Анри Матисса путешествия занимали очень важное место. Именно они не в последнюю очередь оказали влияние на узнаваемый стиль художника. Матиссу, прожившему 84 года, посчастливилось проехать почти полсвета. Среди стран, в которых ему удалось побывать, — Россия, США, Германия, Испания. Особый отпечаток на его творчество наложили визиты в Северную Африку.
В Алжире и Марокко на художника повлияли не только пейзажи, но и местный образ жизни, сильно отличавшийся от парижского. В частности, речь идет о пестрых коврах, узких улочках, полихромной мозаике, орнаментах. Плюс из-за ослепительного солнца освещение в африканских городах было не таким, как во французской столице. За счет него контрастность казалась выше, а цвета — ярче.
Благодаря поездкам в Марокко, совершенным в начале 1910-х годов, изменилась колористика работ Матисса. Кроме того, знакомство с арабским Востоком помогло художнику выйти за рамки фовизма и «вновь обрести более тесную связь с природой».
«Марокканский триптих. Вид из окна. Танжер» — попытка Матисса «уловить атмосферу созерцательной и неторопливой, почти сказочной жизни арабского мира»
Вдохновение можно искать по-разному и находить в различных жизненных аспектах. При этом не стоит забывать, что неотъемлемая составляющая успеха — изнурительный труд. Пабло Пикассо считал, что вдохновение существует, но оно приходит во время работы. Подобное мнение высказывал и Илья Репин. Автор «Запорожцев» называл вдохновение наградой за каторжный труд. Иван Айвазовский отличался поразительной работоспособностью. Его творческое наследие насчитывает порядка шести тысяч картин. Он мог написать миниатюру за 20 минут, а большое полотно — за день. На масштабную работу Айвазовский тратил не более десяти дней.
В общем главный, пусть и банальный, совет — не стоит просто сидеть и ждать, когда на вас снизойдет вдохновение, лучше это время потратить на рисование.
Лежат, зевают: как художники разных эпох и стилей изображали расслабленных людей
Теории и практики
Художники веками изображали человеческое тело в состоянии покоя: чем более расслаблен натурщик, тем проще ему долго оставаться в определенной позе. Кроме того, расслабленное тело удивительно разнообразно. Одних только положений сна не меньше десятка, а если сон застигнет человека внезапно, то их можно будет насчитать еще больше. Художник-сюрреалист Десмонд Моррис посвятил позам и жестам в искусстве целую книгу. T&P публикуют из нее сокращенную главу о том, как интерпретировать позу «нога на ногу», зачем рисовать человека зевающим и почему на картинах люди очень часто спят.
Язык тела. Позы и жесты в искусстве
Десмонд Моррис
Издательский проект «А+А» — совместный импринт Ad Marginem и ABCdesign. 2019
«Нога на ногу»
Закинуть ногу на ногу — настолько естественное движение, что мы редко задумываемся о его значении. Однако эта поза может транслировать социальный сигнал. С одной стороны, ее можно трактовать как признак растерянности, показывающий, что мы ощущаем себя «не в своей тарелке» и хотим отгородиться от мира. Но она же может сказать о том — с другой, — что мы расслаблены и комфортно чувствуем себя в компании окружающих. Все дело в том, что «нога на ногу» — противоположность той позы, которая выражает наши почтение или бдительность: в этих случаях мы обычно сидим прямо и держим ноги свободно — на случай, если будет необходимо срочно действовать. Впрочем, мы редко отдаем себе отчет в значении положения наших ног — в обычной ситуации мысли заняты другим. Именно поэтому говорят, что ноги не врут. Для большинства из нас не составит проблемы скрыть истинные чувства на лице и вежливо улыбнуться в неприятной ситуации, но положение ног или беспокойные движения стоп легко могут нас выдать.
Слева: Портрет Эндрю Паркера Боулза. Люсьен Фрейд. 2003-2004 гг.
Справа: Мужчина, не стоящий внимания. Шурук Амин. 2012 год
[…] Существует немало культурно обусловленных различий в том, в каких ситуациях и как именно мы принимаем позу «нога на ногу». На Западе принято скрещивать ноги, размещая одно колено на другом, как мы видим это на портрете Эндрю Паркера Боулза в мундире бригадира кисти Люсьена Фрейда (2003–2004). В данном случае расслабленная поза бригадира резко контрастирует со стандартными фотографиями военных, которые сидят фронтально, положив руки на колени. Кажется, что на автопортрете ливанской художницы Шурук Амин — картина называется «Мужчина, не стоящий внимания» (2012) — модель изображена в не слишком вызывающей позе: солнечные очки, распущенные волосы, прямая спина и полуобнаженные ноги, скрещенные в коленях. Однако при ближайшем рассмотрении становится ясно, что произведение посвящено критике социального неравенства полов на Ближнем Востоке. Эта работа вошла в серию «Попкорнография», в которой разработаны темы, подлежащие запрету в традиционной арабской культуре. В 2012 году Амин продемонстрировала в Кувейте свой проект «Это мужской мир» — он вызвал такой скандал, что выставка была закрыта спустя всего несколько часов после вернисажа. […]
Скорчившийся мальчик. Микеланджело Буанороти. Около 1530–1534 гг.
Сидение на корточках
[…] В произведениях искусства достаточно часто изображают сидящих на корточках людей, ягодицы которых касаются земли; на некоторых изображениях они полусидят: одна нога стоит на колене, а другая согнута, как при сидении на корточках, при этом иногда для дополнительной опоры используют одну или обе руки. Изменение положения рук зачастую подразумевается также и другими разновидностями этой позы. Например, кисти можно прижать к груди, соединить или положить на колени. Иногда изображают модель, оперевшуюся на колени локтями, иногда — с руками, скрещенными на груди или обнимающими ноги. Интересно, что у многих доисторических фигурок, изображающих людей, сидящих на корточках, руки плотно прижаты к груди. Скорее всего, у этого есть практическое объяснение: если изваянные руки вытянуты, велик риск, что они будут повреждены или отломятся.[…]
Большинству изображений сидящих на корточках фигур присуща двусторонняя симметрия, но Микеланджело ее уверенно нарушил, создав более динамичную скульптуру — «Скорчившегося мальчика» (около 1530–1534). Асимметрия здесь достигнута за счет того, что, склонившись к правому бедру и пропустив одну из опущенных рук между согнутыми в коленях ногами, мальчик обхватывает не обе, а лишь одну ступню. […]
Мученик: продавец фиалок. Фернан Пелес. 1885 год
Облокачивание
[…] На картине художника-прерафаэлита Джона Эверетта Милле «Дочь дровосека» (1851) мы видим зарождающуюся дружбу: небрежно прислонившийся к дереву мальчик предлагает девочке землянику. Однако эта сцена не так идиллична, как это может показаться на первый взгляд. На создание полотна художника вдохновило одноименное стихотворение Ковентри Пэтмора, которое повествует о трагической истории Мод, дочери дровосека, и сына богатого сквайра. Классовое неравенство — непреодолимая преграда для брака молодых людей, и Мод, дав жизнь незаконнорожденному ребенку, затем, не выдержав страданий, сходит с ума. В написанной Милле сцене из детства влюбленных их одежда и позы подчеркивают классовые различия.
На столь же эмоциональном полотне «Мученик: продавец фиалок» (1885) Фернан Пелес изобразил мальчика — продавца фиалок, изнуренно прислонившегося к стене. Его глаза закрываются от усталости, но его жизнь зависит от нескольких монет, которые он заработает, если сумеет продать фиалки. Цель этой картины — побудить зрителя к борьбе против социальных условий, которые в XIX веке привели городское население к такой пронзительной бедности.
Слева: Дочь дровосека. Джон Эверетт Милле. 1851 год. Справа: Мужчина в синем. Тай-Шань Ширенберг. 1996 год
От усталости — или скуки — мы иногда склоняем голову к части нашего тела. Чаще всего это происходит автоматически, бездумно, и действие может принимать разные формы. Например, голову поддерживают ладонью, а локоть упирается в твердую поверхность — например, в стол; предплечье при этом располагается под головой в качестве опоры. Сама ладонь поддерживает подбородок и щеку, как на портрете кисти британского художника Тай-Шань Ширенберга. Позицию руки можно изменить, подперев костяшками пальцев скулу. Именно эту расслабленную позу приняла героиня портрета работы Питера Лели.
Спящая Венера. Джорджоне. 1510 год
Лежание
В западном искусстве существует давняя традиция изображения лежащих обнаженных женщин. Изображение лежащей фигуры художники, как правило, включали в композиции, воссоздающие тот или иной мифологический сюжет: нагота тем самым была легитимирована. Так, первый известный пример — картина «Спящая Венера» (около 1510), приписываемая кисти Джорджоне, итальянского живописца эпохи Ренессанса. На ней мы видим обнаженную женскую фигуру, лежащую на спине; фоном ей служит гряда холмов. Как это часто бывает на картинах такого рода, Венера изображена с закрытыми глазами, а ее голова покоится на откинутой вверх руке. «Венера Урбинская» (1538) Тициана представляет собой гораздо более смелую трактовку сюжета: обнаженная лежит на кровати или кушетке в роскошных покоях и смотрит зрителю прямо в глаза. Произведение пронизано откровенной чувственностью — неудивительно, что оно вызвало много споров. Ровная горизонталь лежащей фигуры маловыразительна — поэтому художники стремятся оживить ее при помощи вертикальных элементов. […]
Купальщики в Аньере. Жорж Сера. 1884 год
На картине «Загорающий» (1966) Дэвид Хокни изобразил модель, лежащую на животе, — однако в данном случае это обнаженный мужчина. Полотно вошло в серию выставленных в в 1960-х годах работ — именно в этот период художник начал разрабатывать в своем творчестве тему бассейна. В самом деле, сюжетом картины «Загорающий» в равной степени являются как мужчина, так и вода в бассейне. Изобразив купальщика, Хокни обратился к одному из сквозных пластических мотивов в западном искусстве (ассоциирующемуся, возможно, в первую очередь с Жоржем Сера и его картиной 1884 года «Купальщики в Аньере»), но добавил к нему гомоэротический оттенок.
Последний вечер. Джеймс Тиссо. 1873 год
Раскачивание
[…] Художники порой изображают умиротворяющие монотонные движения кресла-качалки — устройства, которое позволяет извлечь пользу из успокоительного раскачивания. И хотя колыбели существуют с древних времен, кресло-качалку для взрослых стали использовать лишь в начале XVIII века. Первые ее изображения появляются в американском народном искусстве этого периода.
Гладильщицы. Эдгар Дега. 1884 год
Зевание
[…] Очень немногие портретисты брались изобразить момент зевоты — возможно, это связано с тем, что это действие лишено внешней привлекательности. Жозеф Дюкре — живописец XVIII века, проявлявший значительный интерес к физиогномическим особенностям и утрированной мимике, — создал, быть может, самую убедительную иллюстрацию этого странного, но всем знакомого действия. На картине «Зевающий» (1783) художник изобразил самого себя с широко раскрытым ртом в зевке, сопровождающемся характерным для этого действия асимметричным вытягиванием рук.
Слева: Зевающий подмастерье. Михай Мункачи. 1869 год
Справа: Зевающий. Жозеф Дюкре. До 1783 года
В картине «Зевающие» (около 1850) Луиджи Монтеяно подтрунивает над заразностью описываемого действия. Двое молодых людей, изображенных в центре композиции, похоже, переживают приступ неконтролируемой зевоты, в то время как двое других, расположенных справа и слева, смеются, указывая на своих приятелей пальцами.
В 1869 году венгерский художник Михай Мункачи написал портрет изнуренного подмастерья в тот момент, когда его зевок достиг пика интенсивности. Эдгар Дега запечатлел похожую сцену, действие которой происходит в прачечной: на картине «Гладильщицы» (около 1884–1886) изображены две изнуренные тяжелым трудом женщины — одна из них на мгновение остановилась, не в силах побороть зевок. […]
Ночной кошмар. Иоганн Генрих Фюссли. 1781 год
Слева: Фавн Барберини (копия). Автор неизвестен. Конец III — начало II века до н. э.
Справа: Спящий стражник при гробе. Бернхард Штригель. 1520 год
Совсем другое, крайне беспокойное, состояние передает знаменитая картина Иоганна Генриха Фюссли «Ночной кошмар» (1781). Зритель не знает, что происходит в голове измученной девушки: художник пользуется возможностью эффектно обыграть мотив глубокого забытья, чтобы изобразить зловещего демона, который расселся прямо на откинувшемся теле красавицы, в то время как слепая черная лошадь — еще одно порождение кошмара? — угрожающе пялится на происходящее, выпучив свои невидящие глаза. Поза сна модели соответствует драматизму ситуации: ее голова и руки бессильно свисают с кровати. […]
В рубрике «Открытое чтение» мы публикуем отрывки из книг в том виде, в котором их предоставляют издатели. Незначительные сокращения обозначены многоточием в квадратных скобках.
Мнение автора может не совпадать с мнением редакции.