кредо художника что это

Творческое кредо

Почти всегда в набор документов, необходимых для подачи заявления на грант, образовательную или резидентскую программу входит творческое кредо. Если и есть в мире искусства то, что касается абсолютно всех, так это безудержная паника перед необходимостью сочинить подобный текст. Но задумай вы провести опрос среди галеристов, большинство из них скажет, что никогда их не читает. Так зачем же тогда вообще сочинять свое творческое кредо? Тем более заранее, когда еще никто об этом не просит?

Напишите-напишите: в мире искусства вращается множество людей, которые все-таки их читают, – кураторы, члены жюри и комиссий. И притом внимательно читают. И всерьез относятся к тому, что в них написано.

Сформулировать творческое кредо заранее стоит потому, что у большинства людей, даже и не подгоняемых страхом не успеть с этим в срок, процесс размышления над тем, что им нравится, а что нет, отнимает немало времени и сил. Начав работу над творческим кредо прямо сейчас, вы, никуда особо не торопясь, можете в любой момент сделать паузу и через несколько дней с новыми силами вернуться к его сочинению. Даже после того, как вы «закончите», перечитайте через месяц-другой написанное и исправьте то, что вам не нравится. Подойдите к этому вопросу с холодной головой. Лучше иметь крепкую, максимально обобщенную основу, которую вы сможете в любой момент адаптировать к конкретным требованиям, чем в последнюю минуту в панике что-то сочинять, формируя заявку.

В момент написания не забывайте об основной задаче творческого кредо – дать потенциальному читателю представление о том, что и зачем вы пытаетесь выразить в своем творчестве. Это поможет. Вы вовсе не должны во всех подробностях описывать свой вклад в мировое искусство или проводить детальный психологический анализ собственной мотивации – подобное может плохо сказаться на вашем здоровье (или того хуже – на творческом кредо). Ваша задача – максимально простым способом описать свои чаяния: что вы хотите сказать или показать своими работами, что вас заставляет хотеть этого. Если в вашем творческом процессе есть что-то особенное или очень важное, о чем стоит рассказать, сделайте это.

Художники иногда жалуются, что изображения работ не отражают сути их искусства. Творческое кредо – один из немногих способов прямо, от первого лица, рассказать об этом. С этой точки зрения хорошее творческое кредо представляет собой задокументированную версию того диалога, которой мог бы состояться, посети вашу мастерскую важный гость. Творческое кредо – отличная возможность рассказать такому человеку о себе и своих работах. Только не забывайте, что ваш потенциальный читатель вряд ли имеет диплом в области искусств и когда-нибудь занимался тем, чем занимаетесь вы. «Очевидное» вам не обязательно очевидно ему.

Помните про объем: от ста до трехсот слов. Это меньше, чем книжная страница. Ваша задача – не заставлять читателя переворачивать страницу.

«Вы хороши в том, что хорошо делаете. Никто не заставляет писателя создавать картины, точно так же никто не ждет, что в художнике, работающим над творческим кредо, вдруг проснется талант к изящной словесности. Цель творческого кредо – сформулировать и сообщить другим ваши устремления. Не перебарщивайте с витиеватым стилем и профессиональной лексикой. В большинстве случаев это может стать камнем преткновения в диалоге между читателем и художником, особенно начинающим».

Сара Льюис, ученый, писатель, куратор, критик, член государственного комитета по стратегии в области искусства при президенте США Бараке Обаме (Нью-Йорк)

«Никакие на свете притянутые за уши теоретические выкладки не расскажут о произведении больше и лучше, чем оно само. Поэтому в первую очередь я смотрю именно на работы и лишь потом – на описание проекта. И уж совсем в последнюю очередь я, может быть, взгляну на творческое кредо художника. Я жду простых слов и конструкций, вроде “Я делаю свое дело. И я продолжу делать свое дело”. Написанные витиеватым слогом, перегруженные теорией и философствованиями заявления я читать боюсь: это же смерти подобно!

Оставьте размышления и понимание нам, читателям. Вы уже обо всем подумали и все поняли, когда создавали свои работы. Так позвольте и другим получить это удовольствие».

Шеннон Стреттон, художница и директор галереи ThreeWalls (Чикаго)

«В прошлом году я подавал заявку на грант. Мне отказали, обосновав это тем, что мое творческое кредо “недостаточно серьезно”. Меня до крайности возмущало то, что я вообще должен был этим заниматься, так что писал я чертовски иронично, даже саркастично. Поэтому-то я и прошляпил грант. Так что, если хотите преуспеть, не делайте подобных глупостей. Не злите людей, в руках которых может быть ваша судьба».

Билл Дэвенпорт, художник и критик (Хьюстон)

Каким будет стиль творческого кредо – решать вам, но прислушайтесь и к нашим советам. Мы полагаем, что творческое кредо лучше всего формулировать следующим образом:

Для начала набросайте на лист бумаге все идеи, которые приходят в голову. Смысл этого шага заключается в том, чтобы иметь их все в одном месте, а потом размышлять о каждой в подробностях: насколько она важна, насколько соотносится с остальными. Избавляться от всего лишнего вы будете гораздо позже, сейчас же – пусть будут. Будьте собой и хорошенько подумайте над тем, почему вы творите.

Посмотрите на все написанное и попробуйте расположить все идеи по порядку, придать им структуру. Если что-то выходит за рамки, вычеркивайте. Не все, что родилось во время мозгового штурма, должно обязательно войти в творческое кредо.

Возьмите оставшиеся идеи и постарайтесь превратить их в предложения, а предложения – связать в абзацы. Переживать, как все это звучит, пока рано – просто пишите, как получается, и как можно быстрее.

А вот теперь пора позаботиться о том, как все это звучит. Для начала избавьтесь от любых терминов. Поверьте, даже самые сложные и глубокие идеи можно выразить простыми словами, не прибегая к профессиональной лексике. И три слога не всегда лучше двух. Ваша задача заключается не в том, чтобы поразить читателя своим лексическим запасом. Поражайте другим – прямым, честным повествованием, которое позволит ему узнать о вашем искусстве больше. Самый эффективный способ понять, что в вашем тексте не так, – прочитать его вслух кому-нибудь, кто знает вас достаточно хорошо, чтобы сказать, насколько творческое кредо похоже на вас.

5. Исправление ошибок.

К тому моменту, как вы доберетесь до этого шага, вам придется перечитать текст столько раз, что глаз «замылится» и вы легко пропустите самую очевидную ошибку. Попросите кого-нибудь прочитать ваше творческое кредо. Потом отложите, а через недельку перечитайте снова.

«Ну хватит уже!», или Пара слов о штампах

Вот вам несколько фраз, которые повторяются из одного творческого кредо в другое. Возможно, стоит оказать себе и будущим читателям услугу и не использовать эти штампы. В них все равно нет ни капли искренности, они лишь испортят текст и, следовательно, впечатление о вас.

«Я творю интуитивно».

«Мои работы – о значительном и незначительном».

«Мои работы – о подлинном и искусственном».

«Мое творчество – это внутреннее путешествие».

«Работы отражают мой личный опыт».

«В каждый штрих (деталь, движение – нужное подчеркнуть) я вкладываю частичку своей души».

«Впервые я взял в руки карандаши, когда мне было три».

6. И еще раз исправление ошибок.

Вы будете развиваться, и обновлять свое творческое кредо придется еще не раз. Только так оно будет отражать текущее положение дел, а не ситуацию пятилетней давности (да пусть даже и полугодовой!).

Мы не приводим примеры подобных текстов, потому что это только ваше творческое кредо. Оно описывает ваши работы и должно быть написано вашей рукой. Чтение чужих текстов тут никак не поможет. А вот изложенные выше инструкции – наоборот.

Вы всегда можете попросить кого-нибудь написать текст за вас. Очевидным выбором кажется друг, практикующий литературное творчество, однако собрат-художник, понимающий ваше искусство, может сформулировать ваше творческое кредо гораздо легче, чем свое собственное.

Даже когда вдохновение оставляет вас и текст ни в какую не пишется, размышления о нем заставляют вас думать о своем творчестве и его ориентирах, о работах коллег, о своем развитии и месте в искусстве. И все это хорошо повлияет на творческий процесс.

«Мне нужны существительные. Существительные и глаголы. Все остальное – сорняки. Руки так и чешутся прополоть эту грядку и уничтожить все лишнее».

Ли Коннер, галерея современного искусства Коннер (Вашингтон)

«Читая творческое кредо, я не жду от художников мастерства великих писателей. Честно говоря, писатели из них в большинстве своем никакие. И это замечательно, потому что мне не язык их нужен. Уж раз художник потратил свое время, написав этот текст, почему я не могу потратить свое, прочитав его? Он же может оказаться очень интересным! Хотя, конечно, художник не обязан корпеть над каждой буквой, стараясь создать еще одно произведение искусства.

Здорово, что в художественных школах уделяют столько времени обучению основам мастерства. Жаль только, что это оборачивается тем, что все творческие кредо написаны будто под копирку. Я бы предпочла сотни разных разговоров сотням одинаковых. Представьте, что ваш друг вдруг начинает давать вам подробные инструкции по выстраиванию с ним отношений. Так ведь не бывает: в разных ситуациях он просто ведет себя так, как привык, и вы узнаете его, знакомясь с его поведением».

Шамим Момин, директор и куратор некоммерческой организации LAND (Лос-Анджелес) и бывший куратор Музея американского искусства Уитни (Нью-Йорк)

«Работа в комиссиях по грантам или резидентским программам – одно из самых потрясающих ощущений. Бесценная возможность увидеть то, чего никогда до этого не видел. Мне всегда очень любопытно слушать, как художник рассказывает о своем творчестве, когда мы посещаем его мастерскую, или пробегать глазами сформулированное им творческое кредо в тусклом свете проектора, разглядывая на экране изображения работ».

Франклин Сирманс, куратор Музея искусств Лос-Анджелес Каунти (Лос-Анджелес) и бывший куратор музея Menil Collection (Хьюстон)

Источник

Александр Муцкий: «Художник должен не красить кистью, а рисовать душой»

«Халтура мне претит, скороспелая живопись — не мой стиль» — так сформулировал свое творческое кредо известный одинцовский художник, председатель народного коллектива «Этюд» Александр Муцкий. Недавно он отпраздновал свой 60-ти летний юбилей, а в одинцовском Краеведческом музее открылась персональная выставка картин Александра Ивановича.

Творческие истоки

— Начал рисовать с 3-го класса, копировал иллюстрации к книгам, пользовался акварелью, — рассказывает художник. — В школе занимался оформлением классов, стенгазет, даже освобождали от второстепенных уроков. Параллельно увлекался фотографией, был у меня такой знаменитый фотоаппарат ФЭТ-2, работал школьным внештатным фотокорреспондентом. По окончании школы директор пожелал мне стать профессиональным фотографом — немного не угадал. Все-таки победила живопись. В юности, уже став известным рисовальщиком в своем ближайшем окружении, делал копии с газетных фотографий в цвете, например, портреты Гагарина и Терешковой — космонавты пользовались в то время неслыханной популярностью, и мои копии тоже. Местные бабушки заказывали мне иконы. С 18-ти лет появились первые собственные картины. Был художником-оформителем до армии, в армии и после нее. В 1979 году закончил Заочный Народный Университет искусств (ЗНУИ).

— Вы родились в Краснодарском крае. Это очень живописный край, богатый своими художественными традициями. Где именно прошло ваше детство? Как оказались в наших местах?

— Я родился в станице Староминская. В 20 лет на танцах познакомился с симпатичной 19-летней девушкой — это была любовь с первого взгляда. Она стала моей женой, с которой мы вместе уже 40 лет. В 1980 году переехали в Ейск, а в декабре 1982 года в Подмосковье — Горки-10. В санаторий «Поляны» ЦК КПСС шел набор по разным специальностям с предоставлением жилья (об этом нам сообщил муж сестры моей супруги, он военный и здесь служил). Моя жена — дипломированный шеф-повар, она всегда нарасхват, да и мне применение нашлось. (Смеется.)

— Были ли в вашем роду художники?

— Художников не было, а вот музыканты водились. Мои дядья играли на балалайке, мандолине, талантливые самоучки. Играли ансамблем, выступали по станицам. Я сам научился играть на балалайке, немного на гармонике, а вот гитара не поддалась.

— Посещаете ли вы свою родину? Есть ли у вас «кубанские» пейзажи?

— Периодически бываю на родине, не забываю свои корни. У меня есть целый цикл «Малая Родина». Станица Староминская — самая большая по площади и населению в Краснодарском крае. Здесь прошла моя персональная выставка в краеведческом музее на 55-летний юбилей, обо мне рассказали местное ТВ, радио и газеты, вручили поздравительный адрес. Было очень приятно.

— Часто начинающие художники, вырабатывая свой неповторимый стиль, начинают с подражания мастерам. Кто был вашим кумиром в живописи? Изменились ли ваши предпочтения со временем?

— Начал работать маслом в 19-20 лет. Первые мои масляные краски — это набор из 12-ти тюбиков, который тогда продавали в канцелярских магазинах. В книжных магазинах покупал репродукции картин русских художников. Однажды увидел репродукцию Айвазовского «Девятый вал». Она меня поразила. Попросил у мамы простыню (холста не было), сколотил подрамник, натянул на него простыню, как барабан звенела. Вместо грунтовки — столярный клей, знаний особых не было по технике обработки холста, поэтому 5 раз все счищал и начинал заново, только на 5-й раз получилось. Мама не разрешила оставить готовую картину в доме, повесили на местной ферме в Красном уголке. Все, кто видел эту мою работу, удивлялись и желали мне стать художником. Интересна судьба у этой работы. В 90-х годах ферма развалилась, картину даже воровали, потом нашли, вернули. Я как-то приехал, смотрю, она на полу стоит, уже портится, взял ее домой. Теперь она хранится у меня. Когда серьезно занялся живописью, то подражать перестал. Нужно вырабатывать свой стиль и язык живописи.

Любимые жанры

— Почему вы избрали, как основные для своих картин, жанры «Пейзажа» и «Натюрморта»? — Во время учебы в ЗНУИ неплохо получались портреты, например, моей мамы, автопортрет. В армии друзей карандашом рисовал. Но мой педагог порекомендовал развивать тему «пейзажа» и «натюрморта». Он профессиональным взглядом поймал, что это у меня идет лучше всего, и не ошибся. Распыляться не нужно, иначе не раскроешь себя, не будет возможности для совершенствования.

«Натюрморт с клубникой», 1992

— Натюрморт — это чаще постановочный сюжет. Как вы выбираете сюжеты для пейзажей?

— По наитию. Нужно постоянно смотреть, анализировать. Я всегда наблюдаю: в автобусе, на даче, по дороге куда-либо. Идет не от случая к случаю, а постоянно творческий процесс, в голове мешанина красок — все это откладывается в подсознании. Может быть готовая природная композиция, можно что-то перекомпановать уже по ходу создания наброска или при доводке. Художник — это не фотограф. На природе, на натуре создается этюд — быстро схватывается сюжет, настроение, состояние, тон, цвет. Размер этюда может быть со спичечный коробок, открытку. Доводка происходит уже в мастерской, это может произойти и через 1-2 года. Сейчас у меня дома до 1000 заготовок.

Секреты мастерства

— Ваша художественная техника — холст и масло. Вы считаете, что именно эти средства наиболее точно могут передать ваше видение окружающего мира? Пробовали ли вы другие техники?

— Это наиболее гибкая техника, с большими возможностями. Можно исправлять неудавшееся. У каждой техники свои плюсы и минусы. Пастель нужно закреплять, под стекло помещать. Акварель — не гибкая, ничего нельзя исправить, к тому же выгорает. Масло стареет через 100 лет, но его долгожительство существеннее. Долговечность еще зависит от добротности подготовки холста, качества грунтовки. Халтура здесь мне претит, скороспелая живопись — не мой стиль. Художник должен серьезно относиться к каждому этапу создания картины, чтобы самому было приятно и комфортно.

«Окраина и п. Горки-Х осенью», 2007

— Среди художников самое заветное пожелание «чтобы палитра всегда была мокрой». Что значит это выражение?

— Экспериментировать, не застывать в своем движении вперед, все время пребывать в творческом поиске. Сам по себе цвет ничего не говорит, краски играют на фоне друг друга, подчеркивают друг друга, создают гармонию в своем сочетании. Самые употребляемые краски — белила, черная, красная, охра светлая. Полная палитра — 11-12 цветов, с их помощью можно решать неимоверное количество колористических задач. Сейчас можно купить и 40 разных красок, но это уже лишнее. Они, вроде как, облегчают задачу, но в радуге всего 7 основных цветов. И ты становишься полным хозяином палитры, создавая различные оттенки, добиваясь симфонии красок. Дело не в количестве красок, а в умении пользоваться их минимумом. Нужно пользоваться красками, а писать душой.

Талант наставника

— Вы ведете большую общественную и педагогическую деятельность, прежде всего, в возглавляемом вами народном коллективе «Этюд». Как давно вы возглавили этот коллектив, кто может стать членом «Этюда», и много ли уже ваших учеников вышли в свободный творческий полет?

— Когда в 1982 году я переехал в Горки-10, то почти одновременно узнал о существовании «Этюда». Это был еше молодой коллектив, возглавлял его тогда Борис Артемович Щербин. Я стал председателем с 2004 года. Это коллектив сложившихся художников, творческое объединение мастеров. Мы общаемся, учимся друг у друга, делимся опытом, обсуждаем творческие планы, выезжаем вместе на природу, помогаем в организации выставок. Для нас это родной дом. Состав пополняется, но кто-то и уходит. К 30-летию «Этюда» мы выпустили каталог картин этюдовцев «Художники Одинцовского района». Начали за 1,5 года до события. Это была очень кропотливая и долгая работа на самофинансировании. Тираж 100 экземпляров. Раздарили все на юбилее гостям.

— Что касается педагогической деятельности, то с 2008 года меня пригласили в мой родной ЗНУИ преподавать технику этюдов на пленере. В группе 25 человек, люди самого разного возраста — от 20 лет до пенсионного. Учу их, как подходить к натуре, с чего начинать картину, последовательность действий. Планирую и в дальнейшем продолжать работу в ЗНУИ.

Имя в искусстве России

— Вы очень активно участвуете в различных выставках, печатаетесь в каталогах. Какая по счету для вас выставка в Одинцовском краеведческом музее? Какие выставки впереди?

— Мой послужной выставочный список перевалил за три десятка, работы публиковались в 10-ти каталогах, в том числе в каталоге «Имена в искусстве России», отпечатанном в 2007 году и распространявшемся за рубежом. В этом году исполняется 75 лет ЗНУИ, уже выпущен каталог, и осенью состоится выставка в Беляево, где я приму участие.

— В каких международных выставках вы принимали участие?

— Осенью 2008 года на Кузнецком мосту прошла Международная выставка, на которой картина «Потеплело» признана лучшей картиной года.

— Какая картина или картины вам наиболее дороги? Легко ли вы с ними расстаетесь?

— Каждая работа — частица души. Если они попадают в хорошие руки и доставляют кому-то радость и удовольствие, то я только «за». Мои картины есть в Министерстве культуры, в музеях, галереях, частных коллекциях России. Источники вдохновения

— Кто помогает и вдохновляет вас в вашем творчестве?

— Природа — самый лучший учитель, а дальше художник сам творит, смотрит, думает. На пленере неисчерпаемые возможности. Природа — бесконечный источник вдохновения, в нее как бы погружаешься, пропускаешь через свою душу, улавливаешь момент и настроение. Чувство должно преобладать над техникой, необходима изюминка, чтобы затронуть зрителя, тогда возникает с ним контакт.

— Вы являетесь членом нескольких художественных объединений. Накладывает ли это на вас какие-либо обязательства, помогает ли в вашей общественной деятельности и творчестве? Считаете ли вы свою творческую жизнь удавшейся?

— Как художник я состоялся именно здесь. Природа Звенигорода, Одинцовского района сформировала мои художественные вкусы. А общественная деятельность, поездки в Москву, посещение различных выставок, общение с другими художниками — все это дает дополнительный творческий заряд. Членство в различных объединениях — это еще и вехи профессионального роста, останавливаться нельзя. Совет мастеров: никогда не думайте, что вы все умеете и можете. Нужно расти, искать, думать, анализировать.

— Как вы отнеслись к словам члена правления МОСХ России Виктора Борисовича Демьянчука, сказанным им на открытии вашей персональной выставки в одинцовском Краеведческом музее: Александр Иванович достоин открытия персональной картинной галереи в Одинцово?

— На одинцовской земле много достойных художников, и если будет место, где они смогут разместить свои картины для всеобщего обозрения, то это будет приятно не только им самим. Это будет большим культурным событием в жизни всего города.

— И, в заключение, что пожелаете читателям «Одинцово-ИНФО»?

— Всех благ, удачи, хорошего настроения, не терять оптимизма, тогда все преодолеем. Чтобы все сбывалось — все задумки!

Источник

t_holina

Летопись затерянных миров

журнал Татьяны Холиной-Джемардьян

Один человек попросил сформулировать. Буду рада вопросам и замечаниям от всех зрителей и читателей моего ЖЖ

Рисую — сколько себя помню. Но начало мое как самостоятельного художника — поездка в Хибины летом 1989 года и написанный по свежим впечатлениям цикл пейзажей. Незнакомые, дикие, сказочные места так и просились на холст, на бумагу. Из поиска адекватных средств — как бы передать увиденную красоту — возник авторский стиль, верность которому, в основном, сохраняю поныне.

Четко определить свой творческий метод не берусь. Картины для меня важнее концепций: пишу, как пишется — и как дышится.

Часто использую вполне классический, реалистичный подход к передаче пространства, цвета, свето-тени. Многие пейзажи — узнаваемы, некоторые — почти фотографичны.

Однако дотошный пересчет мелких подробностей натуры практически никогда не становился для меня самоцелью. Гораздо интереснее запечатлевать на бумаге редкие, необычные состояния природы, которые длятся секунды, а потом — снова и снова оживают в памяти, сродни пережитому чуду: «Было? Не было?» И даже удачная фотофиксация (ради этого, кстати, научилась снимать) все равно вызывает у зрителя недоверчивое: «Так не бывает!» Да что говорить, ландшафты любимого Севера сами по себе — для большинства зрителей — весьма необычны.

При желании в моей живописи можно узреть влияние японцев с китайцами, французских импрессионистов, Николая Рериха, Рокуэлла Кента, много кого еще. Без влияний и творческого заимствования — нет современного художника. Игра в аллюзии и цитаты очень увлекательна. И все же главный первоисточник практически каждой моей картины — личное наблюдение природы или переживание, этим наблюдением навеянное.

Что для меня природа? Нагромождение враждебной человеку косной материи? Ни в коем случае! Прекрасный Божий мир: одушевленный, одухотворенный, живой. Насквозь пронизанный токами жизни и нас ими питающий. Редко когда — добрый и ласковый. В точности, как мы: к нему и друг другу. Но у любого ненастья, бури, громов небесных — голоса высокой драмы и трагедии, а не пошлого фарса, в который люди так легко скатываются.

И здесь я подхожу к другому измерению пейзажа. На картине могут полностью отсутствовать любые следы человеческого пребывания — но в пейзаже всегда есть тот, чьими глазами вы смотрите. «Лирический герой», как в стихах. Иногда он полностью совпадает со мной, автором, иногда — нет. Кто и при каких обстоятельствах мог бы увидеть это именно таким образом? Хочется верить: человек с ясными глазами и прямой спиной. Тот, кого пережитые боль и радость в равной степени делают мудрее, сильнее, добрее. Хотя это уже почти сказка…

Все вещи рождаются по-разному. Непосредственно с натуры — редко. Раньше очень много писала по памяти. Последнее время стала чаще делать работы по мотивам своих и чужих фото. Довольно много работ «из головы». Бывает, какой-то вид приснится или привидится-придумается: так ясно, что садись и пиши. Иногда даже не трачу времени на карандашный рисунок.

Большинство работ сделано «ала прима», по сырой бумаге. Лессировки тоже применяю. Сюжет диктует технику, новые сюжеты требуют ее совершенствования. Конечно, как всякий художник, надеюсь: мой путь длинней, чем эта тропа за спиной, а лучшие картины — еще впереди.

Источник